mujeres pintoras, Schuss

Las 10 Mujeres pintoras más famosas.

Te presentamos las mujeres pintoras más famosas de la historia

Con la ayuda de Kat Widing, especialista junior en el Departamento de Posguerra y Contemporáneo de Christie’s, BAZAAR.com viaja a través de la historia para seleccionar a 20 mujeres artistas que han cambiado el mundo del arte para siempre.

1 Elisabeth Louise Vigée Le Brun (francés, 1755–1842)

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Completamente autodidacta, Élisabeth Louise Vigée Le Brun se convirtió en artista a pesar de los grandes obstáculos (como cualquier mujer en el París de finales del siglo XVIII) y estuvo activa durante algunos de los momentos más turbulentos de la historia europea. Con la intervención de María Antonieta, fue admitida en la Academia Francesa a la temprana edad de 28 años como una de las cuatro únicas mujeres miembros.
Vigée Le Brun fue particularmente elogiada por sus simpáticos retratos de mujeres aristocráticas, considerados más naturales que las obras de sus contemporáneos. Obligado a huir de París durante la Revolución, el artista viajó por toda Europa, obteniendo impresionantes encargos en Florencia, Nápoles, Viena, San Petersburgo y Berlín antes de regresar a Francia una vez resuelto el conflicto.

En la foto: Elisabeth Louise Vigée Le Brun, Autorretrato con sombrero de paja (1782).

2 Mary Cassatt (estadounidense, 1844–1926)

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Mary Cassatt, una de las tres artistas mujeres pintoras más famosas y la única estadounidense oficialmente asociada con el impresionismo, también fue una asesora invaluable que ayudó a presentar el arte europeo a los principales coleccionistas de los Estados Unidos. Cassatt creía firmemente que la pintura debía reflejar la vida moderna. Su mujer moderna está representada por expertos en la pintura de 1878 In the Loge , la primera obra impresionista que la artista exhibió en los Estados Unidos.
Muchos artistas masculinos representaron a mujeres en palcos de teatro como objetos de exhibición, pero la protagonista femenina de Cassatt desempeña un papel dinámico en el acto de mirar. Sin embargo, la mirada masculina prevalece, ya que a lo lejos, un espectador de cabello gris la mira directamente con sus propios binoculares. Como espectador y espectador, completamos el círculo.

En la foto: Mary Cassatt, In the Loge (1878), MFA Boston.

3 Hilma af Klint (Suecia, 1862-1944)

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No fue hasta que el Museo Guggenheim acogió una gran encuesta de su trabajo que Hilma af Klint finalmente fue ampliamente reconocida como una destacada pionera del arte abstracto; sus primeras composiciones abstractas se completaron años antes que las de Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich y Piet Mondrian. En exhibición desde octubre de 2018 hasta abril de 2019, » Hilma af Klint: Pinturas para el futuro «, presentó una variedad de obras abstractas grandes, brillantes y de aspecto un tanto mágico y sigue siendo la exposición Guggenheim más concurrida de la historia.

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Nacida en Estocolmo, af Klint asistió a la Real Academia de Bellas Artes de la ciudad, se graduó en 1887 y se hizo conocida por su trabajo figurativo y se desempeñó como secretaria de la Asociación de Mujeres Artistas Suecas. Durante este tiempo, el espiritismo y la Teosofía cobraron impulso a medida que las personas, incluido Af Klint, buscaban una manera de reconciliar la religión con los muchos avances científicos recientes.

Esos sistemas de creencias inspiraron su primer gran grupo de trabajo no figurativo y no objetivo. Llamado Las pinturas para el templo,las 193 pinturas fueron creadas entre 1906 y 1915 y exploraron una percepción dualista de la creación, la evolución y el universo. Con la intención de instalarse en un templo en espiral, af Klint ordenó que las obras no se mostraran hasta 20 años después de su muerte. Esas pinturas, junto con algunas de sus obras anteriores, constituían la mayor parte de la exposición en el Guggenheim, un santuario en espiral por derecho propio.

En la foto: Hilma af Klint, The Ten Largest, No. 7, Adulthood (1907).

4Georgia O’Keeffe (Estadounidense, 1887-1986)

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Una figura fundamental del modernismo estadounidense, en 1915 Georgia O’Keeffe fue una de las primeras artistas estadounidenses en producir una obra de arte puramente abstracta, en contraste con el movimiento dominante del realismo estadounidense. En Música, rosa y azul de 1918, O’Keefe abstrae un tema floral con un recorte extremo, produciendo un arco de pétalos coloridos que zumban con una energía musical sugerida por el título.
Las teorías del artista ruso Wassily Kandinsky inspiraron en parte a O’Keeffe a explorar «la idea de que la música podría traducirse en algo para la vista», para lograr una expresión pura libre de otras referencias externas.

En la foto: O’Keeffe posando con Pelvis Series Red with Yellow (1945) en Albuquerque, Nuevo México, en 1960.

5Augusta salvaje (estadounidense, 1892-1962)

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Una escultora pionera asociada con el Renacimiento de Harlem, Augusta Savage también fue una maestra y activista influyente que defendía la igualdad de derechos para los afroamericanos en las artes. Nacida cerca de Jacksonville, Florida, Savage se mudó a la ciudad de Nueva York en 1921 para estudiar arte en Cooper Union, superando a 142 hombres en la lista de espera para su lugar en la universidad. En 1923, Savage solicitó un programa de arte de verano patrocinado por el gobierno francés, pero finalmente fue rechazado debido a su raza. Así comenzó su lucha de por vida para democratizar e igualar las artes.

Uno de sus primeros encargos, un busto de WEB DuBois para la Biblioteca de Harlem, fue bien recibido y Savage procedió a esculpir a otros líderes afroamericanos, incluidos Marcus Garvey y William Pickens Sr.

En 1929, su escultura de un niño de Harlem, Gamin , le valió un amplio reconocimiento y la ayudó a obtener una beca para estudiar en la Académie de la Grande Chaumiere ubicada en París, donde exhibió su trabajo y ganó numerosos premios. Savage regresó a los Estados Unidos en 1931 y lanzó el Savage Studio of Arts and Crafts, que se convirtió en el Harlem Community Art Center, en 1932. Dos años más tarde, se convirtió en la primera artista afroamericana en ser elegida miembro de la Asociación Nacional de Mujeres. Pintores y Escultores. Durante el resto de su vida, la artista continuó creando obras innovadoras (fue una de las cuatro mujeres que recibió un encargo de la Feria Mundial de 1939) y dedicó su tiempo a enseñar arte a quienes la rodeaban.

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En la foto: Augusta Savage trabajando en una pieza, Nueva York, NY, 1938.

6Frida Kahlo (Mexican, 1907-1954)

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André Breton, el fundador del surrealismo, describió una vez los feroces autorretratos de Frida Kahlo con su icónico bigote y una sola ceja atrevida como «cinta[s] alrededor de una bomba». De hecho, las pinturas de Kahlo son a la vez seductoras y conflictivas. En «The Two Fridas (Las dos Fridas)» de 1939, completado poco después del divorcio de Kahlo del muralista mexicano Diego Rivera, Kahlo representa sus dos personalidades: una con el traje tradicional de Tehuana con el corazón roto y la otra con vestimenta moderna, independiente, con el corazón lleno. La constante reconstrucción y estratificación de su propia identidad por parte de Kahlo fue un importante predecesor de la política de identidad y continúa inspirando a los artistas en la actualidad.

Pictured: Frida Kahlo, The Two Fridas (Las dos Fridas) (1939), on display in 2007.

7 Louise Bourgeois (francés, 1911-2010)

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Nacida en París de padres que dirigían un negocio de restauración de tapices, Louise Bourgeois creció ayudándolos en el taller, completando las partes faltantes de los diseños representados en los tapices. Aunque estudió matemáticas y geometría en la Sorbona, finalmente volvió al arte, practicando el grabado, la pintura y la escultura a gran escala a lo largo de su larga y variada carrera. Aunque no estaba afiliada formalmente a ningún movimiento artístico específico, expuso con los expresionistas abstractos y exploró temas como la soledad, los celos, la ira, la sexualidad y el inconsciente en su trabajo.

En 1982, a la edad de 70 años, Bourgeois finalmente tuvo su momento de brillar cuando el Museo de Arte Moderno exhibió una retrospectiva de su trabajo, que presentaba figuras contorsionadas parecidas a humanos suspendidas de cables; creaciones de tela hechas con su ropa vieja; y enormes esculturas de arañas , por las que hoy se la recuerda mejor.

En la foto: Louise Bourgeois, Maman (1999), fotografiada en Hamburgo, Alemania, en 2012.

8 Agnes Martin (Canadá, 1912-2004)

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Agnes Martin, a menudo asociada con el movimiento minimalista, existió en una liga propia y desafía la categorización fácil. Intensamente privada y espiritual, Martin explicó que sus pinturas le llegaban completamente formadas, del tamaño de estampillas postales, que luego traducía en lienzos a gran escala. Un ícono de oro reluciente, Amistad de 1963 es un ejemplo fabuloso de una pintura en cuadrícula seminal del artista.

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Las líneas delicadamente incisas de Martin, aparentemente perfectas pero tras una inspección minuciosa imbuidas del sentido de la mano humana, producen un campo infinito con una cualidad misteriosa: la encarnación de una calma trascendente. Una retrospectiva del trabajo de Martin se abre en el Guggenheim de Nueva York en octubre de 2016.

En la foto : Agnes Martin, Amistad (1963), expuesta en la Tate Modern de Londres en 2015.

9 Leonora Carrington (británica-mexicana, 1917-2011)

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Artista y novelista conocida por su obra surrealista, Leonora Carrington nació en el Reino Unido y estudió pintura en la Escuela de Arte de Chelsea antes de transferirse a la Academia de Bellas Artes Ozenfant en Londres en 1936. Ese mismo año, asistió a la International Surrealist Exposición y se sintió atraído por la obra del pintor alemán Max Ernst.
Al año siguiente, los dos se conocieron en una fiesta y comenzaron un breve romance, viviendo juntos en París hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, momento en el que las autoridades locales arrestaron a Ernst y lo obligaron a huir de la persecución. Escapó a los Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, con quien luego se casó.

Poco después de que los dos se separaran, Carrington fue hospitalizado con un colapso mental y tratado con drogas poderosas. Después de su liberación, huyó a México, donde se inspiró profundamente en el folclore local, que fue un factor importante en su trabajo. Sus pinturas altamente autobiográficas presentan referencias a la hechicería, la metamorfosis y lo oculto, que representan criaturas fantásticas y escenas inquietantes.

Durante los años 70, se involucró en el Movimiento de Liberación de la Mujer y diseñó un cartel, titulado Mujeres Conciencia , para la causa en 1973. En 1986, ganó el premio Lifetime Achievement Award en la convención Women’s Caucus for Art en Nueva York por su compromiso. a su labor política.

En la foto: Leonora Carrington, El calvario de Owain (1959).

10 Elaine Sturtevant (Estadounidense, 1924-2014)

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Las obras de Elaine Sturtevant (conocida por su apellido) causan dudas; lo que al principio parece una pintura de Andy Warhol o Jasper Johns es en realidad su propio trabajo, apropiándose de las formas y técnicas del original con un inquietante grado de precisión. Desde 1964, Sturtevant se ha apropiado del trabajo de sus contemporáneos masculinos para cuestionar la jerarquía de género, la originalidad y la autoría, así como las estructuras del arte y la cultura.
De hecho, Warhol incluso accedió a que Sturtevant usara su fabricante de pantallas para producir la misma pantalla de Marilyn que usó en su propio trabajo. Como recuerda Sturtevant, cuando le preguntaban a Warhol los detalles de su proceso, le decía a la gente que «preguntara a Elaine».

En la foto: Elaine Sturtevant, Warhol Diptych (1973), vendido por Christie’s en 2015.